Leben & Werk

Wege zum Werk

Manche Menschen verstehen sich auf die unmittelbare Anschauung und den direkten emotionalen Kontakt zum Kunstwerk. Andere begegnen Kunstwerken als erfreute oder kritische Kenner. Viele schließlich freuen sich über ein wenig verbale Hilfe. Dafür wären natürlich viel erfahrene Kompetenz, gründliche Schulung und geduldig intensive Erforschung des einzelnen Werkes wie seiner Zusammenhänge in Zeit und Kunst notwendig. Für Sabisch liegt ein ziemlich vollständiges Skulpturen-, Bilder- und Skizzenverzeichnis vor, ebenso die Dokumentation in einer Fotosammlung und eine recht detaillierte Biografie, deren Fundament noch auf der Basis später Interviews gelegt werden konnte. Einige grundlegende Feststellungen sind daher möglich.

Sein plastisches Werk beginnt Sabisch mit Tierdarstellungen, den für ihn „kostenlosen Modellen“ im Leipziger Zoo, mit figürlichen Aktdarstellungen zu Menschen und Menschenpaaren und mit Porträtköpfen. Diesen „natürlichen“ Themen bleibt er sehr lange sehr treu, sie verlieren sich auch in den späteren Abwandlungen und Abstraktionen nie ganz.

Als Material werden anfangs Steinguss, dann Holz und Bronzeguss bevorzugt, später auch Bleiguss, viele Natursteine, Metalle und eine Fülle verschiedenster anderer Stoffe. Darin zeigen sich zunächst schlicht ökonomische Rücksichten auf die Kosten, dann und vor allem aber handwerklich-technische Perfektion und charakteristische Vorlieben. Steinguss war preiswert für den Anfänger, Goldschmiedelehre und Werkkunstschule sicherten dauerhaftes technisches Können und den Zugang zu prinzipiell allen Materialien. Diesen besonderen handwerklichen Fähigkeiten entsprechen bestimmte Vorlieben: die Stoffe werden stets liebevoll und energisch bearbeitet und dabei aus sich heraus entfaltet. Bei aller Bewegtheit, Lyrik und Musikalität vieler Arbeiten erhält sich stets eine gewisse Festigkeit und plastische Schwere, siehe etwa im Werkverzeichnis Maler S. (21), Fohlengruppe (29), Liegendes Pferd (35), Eurydike (51), Liebespaarrelief (66), Fliegender Engel (142), Befreite Vögel (166), Großer Fisch-Ilion (171), Knossos (172), Sternenhimmel (205). Die Holzfiguren sind mit größter Hingabe wie selbstverständlich auch aus dem schwierigsten Material herausgeführt und gewissermaßen zum Leben gebracht. Der harte Marmor erscheint leicht und weich und heiter, nicht nur im Veroneserrot (85) oder im lichten Carraraweiß (86), sondern auch im schwarzen Grabmal-Diabas (92). Die liebevoll gestaltete Hingabe an die Stoffe harmoniert gut mit „natürlichen“ Themen wie Tier- und Menschengestalten. Sie setzt sich fort in der Art, wie Sabisch sie behandelt: Er bevorzugt die relativ-zeitlose Natur, den bloßen Menschenakt, ohne jeden Hauch von Alltagsaccessoires, den Torso oder die leicht und später stärker, aber stets ohne jede gewaltsame Schärfe entschieden abstrahierte Figur. Die Porträts sind stark auf Typ und Form reduziert. Die Tierfiguren betonen den immer zugänglichen Typ, sie verniedlichen oder brutalisieren niemals, sie imitieren nicht bloß realistisch, sondern sind bei präziser Naturempfindung deutlich reduziert, stilisiert und geformt, bis zur immer entfernteren, aber doch noch verhaltenen Abstraktion in den späteren Arbeiten. Seit etwa 1960, mit der ersten Madonna, den Hirtenmotiven und Ähnlichem nimmt er gerne das überzeitlich-religiöse Symbol auf, natürlich auch bedingt durch die entsprechenden Aufträge. Ornamente sind selten, und wenn, dann streng, jedes bloße Dekor wird gemieden (vergleiche Nr. 149). Immer wieder wählt Sabisch Harmonisches, Unschuldiges, nicht Hässlich-Gestörtes, also Paare, bis hin zur Jesus- und Johannes-Gruppe, viele Frauen, seltener Männer, hier Jünglinge, immer wieder reizvolle Tiere. Noch die äußerlich größten Arbeiten meiden das Monumentale, sie kommen aus ohne jeden Appell an irgendeine Gegenwart oder gar Politik und heroisieren niemals das stets Sterbliche. Ausdruck und Haltung bleiben überzeitlich und allgemein-humanitär, gewissermaßen klassisch. In diese Richtung weist auch Sabischs Vorliebe für die klare Form, die zugleich jede Härte, aber auch jeden Manierismus vermeidet. Sie reicht von den weicheren frühen Arbeiten über die meisterhaft ausgewogen reduzierten mittleren Holzplastiken bis zu den späten Wachsausschmelzen, die in der bewegteren Oberfläche dennoch die volle Spannung der Form bewahren. Die Vorliebe zum Überzeitlich-Natürlichen und zum Typisch-Realen will also keine aktuelle Weltanschauung apologetisch-schön oder kritisch-realistisch ausdrücken, sondern einfach auf der Suche nach dauerhaft Schönem bleiben. So erklären sich wohl auch Erfolg, Duldung und Misserfolge erst in der Weimarer und dann in der nationalsozialistischen Zeit. Die durchaus naturalistischen, aber zugleich harmonisch-idealen Züge seiner Plastiken erlaubten einen Zugang und verboten das Etikett „entartet“. Aber der „Knieende Jüngling“ (Nr. 19) war zu wenig athletisch, dynamisch und willensbetont, die überlebensgroßen Supermänner fehlen, die Frauen wirken versonnen, unschuldig, rein statt erotisierend-süßlich oder betont fruchtbar. Vor allem seine Tierplastiken waren ohnehin zu unpolitisch, so wie schon die Themenwahl überhaupt.

Sabischs Zeichnungen, Grafiken und Bilder folgen keiner bestimmten Kunstrichtung, zumal er sich nicht eigentlich als Maler verstand. Die klare Linienführung des Bildhauers bestimmt die frühen Rötelzeichnungen und noch die ausdrucksvollen späten Grafiken. Die Bilder kennzeichnet eine besondere Sensibilität für die Vielfalt der Natur, auch und gerade, wenn sie so originell und selbstständig umgesetzt werden wie die südfranzösischen Ölbaumhänge, die häufigen Alpenmotive oder aber der winterliche Niederrhein.